Después de un hermoso tiempecillo en mi linda ciudad con mi familia, ya estoy de regreso en compañía de los pingüinos y osos polares. Mi corazón, o mejor dicho, mi maleta, se quedó en San Francisco, junto con mi chamarra de invierno, lo cual no me hizo nada de gracia.

Especialmente con este frío de perros. Pero bueno, ahora que mis cosas ya están conmigo soy muy feliz otra vez. Van dos veces que vuelo por San Francisco, pero sólo conozco el aeropuerto y visitar sus atracciones y museos. Claro que hay museos que requieren mucho tiempo para recorrerlos, como el Museo de Historia Natural de Nueva York, cuya sala egipcia sola puede mantenerte entretenido por un par de horas. “Una Noche en el Museo” justamente se desarrolla en tan bonito lugar.

En esta película, Ben Stiller aparece como un padre medio desobligado incapaz de mantener un empleo por más de unos días. Para evitar una desilusión más a su hijo, acepta el trabajo de velador en un museo, trabajo que los antiguos veladores parecen demasiado ansiosos por entregar a su sucesor. Pues éste no es un museo cualquiera. Al anochecer, todos sus personajes cobran vida y deambulan alegremente (y en otros casos, más bien agresivamente) por los pasillos del recinto.

“Una Noche el el Museo” es relativamente graciosa, y tiene una galería tan variada de personajes que por momentos resulta encantadora. Teddy Roosevelt se pasea a caballo, Sacajawea se pasa la noche detrás de una vitrina escuchando a Lewis y Clark discutir, un metálico e incomprendido Cristóbal Colón vocifera en italiano cuando lo confunden con Cortés, Atila el Huno busca incautos a quien descuartizar mientras que un tiranosaurio hace de las suyas. En la sala de maquetas, el mundo romano y el vaquero se enfrentan cada noche, mientras que los pobres mayas lanzan flechas desde detrás de un vidrio. Que en realidad los mayas tenían concimiento científico más avanzado que ambos, pero bueno… Ben Stiller nunca me ha gustado mucho, pues sus actuaciones siempre son lo mismo, y en este caso no sorprende. Pero Owen Wilson y sus rencillas con el augusto emperador Octavio entretienen bastante, y Robin Williams enternece. Y aunque el giro inesperado de la historia no lo es tanto, la interacción entre las figuritas es simpática, y es suficiente para pasar el rato. Por cierto, si alguien está interesado en visitar este museo, es mucho más grande e impresionante de lo que aparece en la película, pero dudo que logren ver a las figuras hablar.

Pingüinos. Cantando y bailando tap. No se necesita mucho más para hacerme feliz.

Los pingüinos emperador utilizan el canto como cortejo. Un pequeño pingüino tiene las mismas habilidades para el canto que yo (traducción: nulas), lo que representa un serio obstáculo para su futura vida amorosa y la aceptación social dentro de la comunidad pingüina. Pero tiene unas patitas bailarinas privilegiadas, cortesía de Savion Glover.

“Happy Feet: El Pingüino” es una película musical preciosa. La animación es espectacular, con imponentes escenas del Polo Sur y personajes cuidadosamente elaborados y con movimientos muy fluídos. Y vaya movimientos. La coreografía es buena, y ha sido animada con lujo de detalles, incluso, los pies de los pingüinos se mueven con perfecta coordinación con los sonidos de los taps. Las canciones no fueron creadas especialmente para la película, es decir, son canciones bastante conocidas, pero funcionan, y hubo momentos en que no me faltaron las ganas de pararme a bailar.

La conducta de los pingüinos emperador que muestran a lo largo de la película, claro está, con excepción de sus aficiones musicales, se apega mucho a la realidad. Supongo que el director también vio “La Marcha de los Pingüinos”, un excelente documental de los hábitos de estos animales. El final sin embargo, me pareció demasiado ambicioso y poco realista. Y estamos hablando de una película que trata de pingüinos cantando y bailando tap. Pero a pesar de ese pequeño detalle, “Happy Feet: El Pingüino” es una excelente opción para toda la familia, con adorables pingüinitos, la magia de un musical y abundante diversión.

Una niña de 14 años, Hayley, accede a encontrarse en un café con un fotógrafo al que conoció en una sala de chat. “Cuatro partes loca, una cuerda”, Hayley termina en casa del fotógrafo tomando desarmadores y preparándose para una sesión fotográfica. Niña, ¡di NO y cuéntalo a quién más confianza le tengas! Pero las cosas no son lo que parecen, y pronto la película nos arrastra a un sorprendente juego del gato y el ratón.

El tema de esta película es bastante controvertido y difícil de digerir. Y la manera en que la acción se desenvuelve lo hace aún más impactante y perturbador. Conforme iba avanzando la historia, cada vez me sorprendía más lo mal de la cabeza que pueden estar algunas personas. Es rara, es cruel, y camina en la delgada línea entre lo malo y lo peor. Pero, independientemente de la posición moral del espectador ante los eventos que se desenvuelven en pantalla, es irresistible.

Las actuaciones en “Hard Candy” son sólidas y dignas de mención. No hay efectos especiales ni un vasto elenco. Casi toda la película sigue a la niña y el fotógrafo en el hogar del mismo, y logra proyectar una situación francamente violenta sin ser muy gráfica. Ellen Page hace una extraordinaria labor como Hayley, y Patrick Wilson se defiende bastante bien como Jeff, el lobo feroz del cuento. A esto hay que añadirle una hermosa fotografía, con cuidadoso uso del color a lo largo de la historia.

Probablemente “Hard Candy” no es la más feliz película para las fiestas decembrinas, pero de esas películas poderosas que se pueden recordar mucho tiempo después.

El reino de Alagaësia está enfrentando tiempos difíciles. En el pasado, esta tierra era próspera, con grandes magos conocidos como jinetes guardando la paz en compañía de sus majestuosos dragones. Sin embargo, Galbatorix, un ambicioso y cruel jinete, traicionó y asesionó a sus compañeros, eliminando a todos los dragones con excepción del suyo y convirtiéndose en el soberano absoluto de Alagaësia. Eragon, un joven campesino, se encuentra ajeno a todos esto, hasta que se encuentra con una misteriosa piedra azul mientras se encuentra cazando en las montañas. El muchacho descubre que esta piedra es en realidad un huevo de dragón, que al nacer adopta a Eragon como su jinete. Este hecho no le causa gran alegría al rey, que envía a un poderoso hechicero para impedir que Eragon se una a los rebeldes descontentos con su tiranía.

Debo aclarar que me encanta el género de fantasía. Y evidentemente también a Cristopher Paolini, autor del libro en que se basa esta película, quien arroja a diestra y siniestra elementos de otras obras del género. El libro me pareció entretenido, con una historia amena aunque predecible. Sin embargo, la película de “Eragon” es un desastre. Al intentar compactar la historia para la pantalla grande, dejaron fuera tantos elementos que es imposible empatizar con los personajes y emocionarse con sus hazañas. Muchos detalles del libro fueron dejados fuera, y aunque se entiende que siempre las adaptaciones tienen que recortar elementos de la historia, no entiendo como piensan llevar a cabo la secuela con la dirección que le dieron a la vida de Roran, a la ausencia del hombre gato, y otros tantos detalles.

El personaje principal, Eragon, interpretado por Edward Speleers, aparece como un niño bonito medio sonso, que reacciona poco ante todo lo que le está pasando. Al convertirse en un jinete, pierde todo lo que ha tenido en la vida y se enfrenta en una aventura épica que podría cambiar por completo el destino de Alagaësia, pero no se le nota. Jeremy Irons logra rescatar el papel de Brom, un misterioso hombre que funge de mentor del joven jinete mientras descubre sus poderes. Durza, el hechicero demoniaco que persigue a Eragon, aunque no tan imponente como lo imaginaba, hace un papel razonable. Pero John Malkovich, como Sauron, digo, Galbatorix, es mortalmente aburrido. Transmite tanta flojera que no puedo sino imaginarme que cuando venga el inevitable enfrentamiento final, utilizará bostezos mágicos para derrotar a su enemigo. Murtagh es prácticamente invisible, aparece de la nada, suelta un espadazo que otro por ahí, y nada más.

En cuanto a los efectos especiales, la animación de la dragona Saphira es buena, aunque las alas no encajan por completo con el diseño del dragón. En el momento que nace la dragoncita, se ve tan adorable que dan ganas de adoptarla y llevarla a casa. Lamentablemente, sospecho que todo el presupuesto se les fue en animar a Saphira, porque los demás personajes fantásticos dejan mucho que desear. Los úrgalos no son más que hombres con la cara pintarrajeada, en lugar de tener un aspecto similar al de los orcos, más malévolo, más fantástico. Los temibles Ra’zac aparecen por tres segundos, y no le llegan a los talones los Nazgul o a los Dementores. Y tan poca caracterización hay que mi hermano, que no ha leído el libro, no se percató de que Arya era una elfa hasta que yo se lo dije.

Lamentablemente, “Eragon” se quedó corto.

La más reciente película del agente 007 marca una nueva dirección con respecto a la saga de James Bond. “Casino Royale” sigue las peripecias del famoso personaje al inicio de su carrera, recién estrenada su licencia para matar. Los esfuerzos de Bond por poner freno a un peculiar individuo que se dedica a manejar las finanzas de grupos terroristas lo llevan a un torneo de cartas en el Casino Royale, en Mónaco.

En un inicio, me desconcertó el gran cambio con respecto a las anteriores películas de Bond. Aunque desde el principio queda claro que estamos observando los pininos del 007, el hecho de que la acción ocurra en la época actual, con la Guerra Fría como cosa del pasado, me sorprendió. Pero más sorprendente fue el personaje central. Daniel Craig, el nuevo Bond, no tiene la elegancia y fino sentido del humor de los anteriores Bond. El nuevo 007 es rudo y se ensucia la camisa durante sus misiones, recurriendo más a los trancazos que a los sofisticados artilugios de las anteriores - o mejor dicho, posteriores - entregas. Los novedosos juguetitos han sido abandonados a favor de tecnología más convencional. El teléfono que utiliza, aunque increíblemente atractivo y con aplicaciones interesantes, no detona ninguna explosión, ni dispara dardos tranquilizantes, ni mucho más.

Eva Green como la chica Bond hace un papel razonable y su lugar en la historia tiene sentido, aunque por momentos resulta aburrida (aunque debo decir que cierta escena involucrando una bañera hace mucho por humanizar el personaje de Bond). Tampoco hay villanos desquiciados con deseos de conquistar el mundo a través de un descabellado plan, sólo hay hombres codiciosos que emprenden acciones cuestionables.

A pesar de todas las diferencias, la película entretiene, y a su manera, encaja en la serie de Bond. Después de una trepidante secuencia de persecusión que parece diseñada para un videojuego, la acción continúa escalando conforme Bond se va involucrando más en los planes de su antagonista. Las escenas que ocurren en el casino me parecieron un poco menos disfrutables, probablemente porque mis conocimientos de póker son limitados y es difícil emocionarse cuando no tenía la más remota idea de lo que estaba pasando y cuando estaba ¿intentando recordar si una mano particular era buena o no. Lamentablemente, conforme el inevitable desenlace se acerca, la película raya en lo cursi y soporífero, aunque logra levantarse para un climático final.

Me pregunto cuál será la nueva dirección de la serie de Bond ahora. ¿Filmarán nuevamente desde las primeras películas, o reinventarán la historia del 007? Y también me pregunto si la característica elegancia de Bond será cosa del pasado o del futuro.

Cuando comienza a hacer frío, no hay muchas alternativas para entretenerse aparte de encerrarse en casa con chocolate caliente y ver películas. Puesto que recientemente vi “María Antonieta”, para seguir el hilo de Sofía Coppola, ahora le tocó el turno a “Las Vírgenes Suicidas”.

La historia de esta película es difícil de describir sin arruinar sorpresa alguna, aunque por el título es clara la naturaleza trágica de la misma. Las cinco hermanas Lisbon, Therese, Lux, Mary, Bonnie y Cecilia, viven en un suburbio en Michigan, a mediados de los 70s, con sus estrictos padres. Después del suicidio de la hermana menor, varios muchachos del vecindario comienzan a desarrollar un inusual interés por las hermanas, intentando comprender lo que está pasando por sus mentes y lo que pudo haber llevado a la más pequeña a la muerte. Este interés se incrementa cuando un inocente intento de las chicas por socializar con muchachos de su edad termina de manera desastrosa, empujando a sus padres a sacarlas de la escuela y encerrarlas en casa, sin ningún contacto con el mundo exterior. Ante esta represión, las consecuencias son aún más desastrosas.

“Las Vírgenes Suicidas” es una película bien lograda, con hermosa y nostálgica fotografía, buenas actuaciones y gran sensibilidad en el tratamiento de la historia. El personaje más interesante es sin lugar a dudas Lux, interpretada por Kirsten Dunst, la más rebelde de las hermanas, que utiliza su naciente sexualidad para protestar de alguna forma ante el ambiente opresivo en que se encuentra sumida en casa. Y aunque juegan un papel mucho menor, las cinco hermanas construyen un ambiente insondable y misterioso, un conjunto de musas enigmáticas que los chicos del vecindario no pueden evitar admirar y desear.

Hace poco, no mucho después de ver la película, estaba describiendo a una amiga la trama de “La Casa de Bernarda Alba”, y creo que existen algunos elementos claramente presentes en ambas. En la obra teatral de Lorca, cinco hermanas viven encerradas en su casa, sin contacto alguno con el exterior, como lo dicta su inflexible madre, en un luto perpetuo el padre de la familia. La manzana de la discordia en este caso proviene del galanteo de un atractivo joven interesado en la fortuna de la mayor y en los encantos de la menor, y las consecuencias también son desastrosas. A mi parecer, Lux es una versión moderna de Adela, y su madre, especialmente en la escena de la quema de los discos, alcanza los terribles niveles de Bernarda.

Bueno, después de esa breve desviación - ¡cómo me gusta esa obra de Lorca! - sólo me queda decir que esta primera película de Sofía Coppola presenta una historia un tanto trágica de una manera iinusual, como una serie de recuerdos que se ven casi como un sueño, irreal y hermoso a la vez que triste, un sueño digno de ser visto.

Las novelas y películas históricas siempre me han parecido fascinantes. Por una parte se encuentra la posibilidad de transportarse a otra época, a otro ambiente, en ocasiones tan extraño y ajeno como la Tierra Media o Terramar, pero con la diferencia de que se trata de algo real. Por otra parte, está esa morbosa curiosidad por observar la vida de un personaje del pasado a sabiendas de su destino. Así, tras ver los cortos de la nueva película de Sofía Coppola, “María Antonieta”, me emocionó la idea de adentrarme un poco más en la vida de esta famosa reina de Francia. Creo que todavía no se ha estrenado en México, así que escribo en exclusiva, ja.

Otra gran ventaja de las películas históricas es que es posible describir los detalles de las mismas sin arruinarle la experiencia a nadie. La trama no es ningún secreto. “María Antonieta” sigue la vida de la joven noble austríaca, desde el momento en que dejó su país natal para desposarse con el delfín de Francia, hasta sus últimos momentos en Versalles, recién estallada la Revolución Francesa. El final es de todos conocido.

La verdad no sé si me gustó la película, pues me dejó una sensación extraña, como sus anteriores películas. En el aspecto visual es espectacular, con abundante vestuario de época y desplegando todo el esplendor de Versalles: oro, joyas, sedas y hasta animales exóticos.

Todos los personajes indispensables aparecen: los jóvenes delfines/reyes, el desparpajado Luis XV, su sensual amante DuBarrie, la amiga con mala influencia, Polignac… El escenario y personajes parecen dispuestos para un tradicional seguimiento de la historia de Francia en vísperas de la Revolución Francesa, sin embargo, la dirección que toma la película es bastante diferente. Lo que vemos es
únicamente el mundo de María Antonieta, una niña introducida sin más al complicado mundo de la corte francesa, y que tuvo que refugiarse en dulces, compras y juegos ante las presiones relacionadas con su puesto.

La película intenta mostrarnos a una chiquilla incomprendida, simplemente defendiéndose lo mejor que podía ante sus circunstancias. Con razón odiaron la película en Francia. Por más que intenté, no pude simpatizar con la protagonista. Dentro de su burbuja de oro, no podía darse cuenta de lo que estaba pasando a su alrededor, no podía
percibir el hambre y la injusticia de sus súbditos, pues estaba completamente absorta en las intrigas de la corte e intentando mantener su posición a través de un heredero, cosa que su esposo no estaba facilitando en absoluto. Cuando mencionan en un periódico su
famosa cita del pastel, simplemente encoge los hombros, asegurando que ella no dijo tal cosa, y que el rumor morirá eventualmente. Quizá pudiera haberse preguntado también si de verdad la gente tenía hambre, y el por qué surgirían tan horribles rumores en contra de ellas, pero jamás sabremos si su destino hubiera sido diferente. Tampoco sabremos si quizá esas preguntas sí cruzaron por su mente.

Un aspecto interesante de la película es la manera en que transmite la falta de contacto de la reina con la trágica realidad de sus súbditos. En toda la película, jamás vemos un plebeyo. Incluso cuando multitud de gente armada acudió a Versalles, lo único que vemos son antorchas en la obscuridad. Quizá el momento en que finalmente vio alguno fue cuando rodó su cabeza.

Esta película francesa nos cuenta la historia de Clément Mathieu y su nuevo empleo como prefecto en una escuela para niños problemáticos. Los muchachos reciben con escepticismo a su nuevo maestro, pero poco a poco sus originales métodos didácticos, incluyendo la formación de un coro, tocarán la vida de estos muchachos.

El tema de un maestro que logra una sorprendente transformación en un grupo de estudiantes ha sido explorado en numerosas ocasiones en el cine. “Les Choristes” lo hace con elegancia y mucho corazón. La vida de los niños es descrita desde el punto de vista de Mathieu, quien desde el inicio se muestra en desacuerdo de los estrictos métodos del director Rachin. La sobria fotografía nos transmite ese ambiente de desesperanza que uno podría imaginarse existe en un internado francés durante la Segunda Guerra Mundial. Existen momentos que despiertan sonrisas, y otros de gran sentimentalismo, como la historia relacionada con el pequeño Pépinot.

Lo mejor de “Les Choristes” es, como era de esperarse, la música. Conforme el coro comienza a consolidarse, las melodías que entonan suenan cada vez mejor, llenas de hermosas harmonías. Y la voz de Morhange es simplemente angelical. Y yo que ni en la regadera canto, me identifiqué con uno de los pequeños al que se le asigna un rol indispensable para el éxito del coro.

“Les Choristes” es una hermosa y tierna película acerca de una poderosa relación entre alumnos y maestro, con música inmejorable e impecable ambientación. Su visión optimista y romántica me ha inspirado, aunque lamentablemente sólo me queda perseguir una carrera de metrónomo. Es una bonita película apta para levantar el ánimo, que ante todas las cosas horribles que se ven en las noticias, una historia alentadora no cae nada mal.

Tenía tantas ganas de ver “Babel“. “Amores Perros” me agradó bastante, a pesar de la crueldad de algunas de sus escenas. La manera en que Alejandro González Iñarritu, director de la misma, logró hilar las diferentes historias con el accidente de auto, me pareció extraordinaria. “21 gramos” me pareció razonablemente buena, y tenía grandes expectativas sobre “Babel”, su más reciente película.

Babel. La mítica ciudad bíblica en la que una arrogante civilización decidió construir una torre alta como ninguna otra, tan alta que le permitiría alcanzar el cielo sin necesidad de intervención divina. Como reprimenda, Dios introdujo confusión entre esta civilización al hacer que los hombres hablasen diferentes idiomas. ¿Pueden imaginar el horrible desastre que aconteció? Ninguno de los trabajadores podía entender a los demás, y el caos y la confusión reinó, deteniendo la construcción de la torre. Así, la película “Babel” toma prestado varios elementos de este pasaje bíblico. Narra cuatro historias completamente independientes, pero entrelazadas por unas sutiles relaciones entre sus personajes. Las cuatro historias tienen que ver con tragedias acontecidas por problemas de comunicación. Y el resultado es un amasijo confuso de hermosas escenas e historias dignas de ser contadas, pero no por eso menos confuso.

“Babel” es difícil de describir. Sus cuatro historias son todas de considerable longitud, envergadura, y con drama y tragedia suficiente para una historia propia. Cada una ocurre en un lugar diferente, y con un idioma propio. Cada loco con su cuento. Por una parte, se encuentran dos niños pastores marroquís, que probando el alcance de una escopeta terminan usando de blanco un camión de pasajeros y hieren a una turista norteamericana, incidente inmediata y nada sorprendentemente atribuído a un ataque terrorista. Por otra parte, tenemos a una pareja de norteamericanos que se encuentran vacacionando en Marruecos, intentando parchar su matrimonio, pero las cosas se complican cuando la mujer resulta ser la desafortunada turista que recibe el balazo. Otro hilo más cuenta la historia de los hijos de la pareja, que terminan experimentando un inusual y poco alentador viaje a Tijuana en compañía de su niñera mexicana y su alocado sobrino. Y la cuarta historia, que parece tener poca relación con las demás hasta
cerca del final, nos acerca a la vida de una joven sordomuda japonesa, el rechazo que sufre por parte de la sociedad y la dificultad que experimenta para sobrellevar la muerte de su madre.

Caray, cuanta tragedia en tan poco tiempo. Y ese es el principal problema de la película. El hilo que une las diferentes historias es muy débil, y aunque cada historia por separado es conmovedora e interesante, en particular la secuencia en Japón, tanta tragedia junta parece forzada, como si el director simplemente tuviera deseos de mostrar lo horriblemente espantosa que puede ser la vida. Cada secuencia tiene sus méritos, pero juntas, a mi parecer, no funcionan.

El invierno ha llegado por acá con bombo y platillo, y con él, unos alegres y dicharacheros virus que me tuvieron postrada en cama durante casi toda una semana. Pero ahora que el efecto del fuerte medicamento que me han dado para la tos ha pasado, y que puedo mantenerme despierta por más de un par de horas a la vez, pude salir al cine por un rato.

“El Ilusionista” cuenta la historia de Eisenheim, un chiquillo de escasos recursos económicos que está perdidamente enamorado de una chica de sociedad, Sophie. Su amor de juventud se ve frustrado por la intervención de la estricta familia de ella, que separa sin miramientos a la dulce pareja. Muchos años más adelante, Eisenheim,
ahora convertido en un famoso ilusionista, vuelve a encontrarse con Sophie. Pero, porque sin peros no habría historia, la dama en cuestión ahora es la prometida del príncipe heredero de la corona austríaca, y el joven mago deberá hacer gala de todo su talento para reconquistar al amor de su vida.

La película me ha encantado, me ha fascinado. A pesar de la desangelada actuación de Jessica Biel, y del muy desagradable personaje del príncipe, “El Ilusionista” me sedujo gracias a la actuación de Edward Norton, a la extraordinaria ambientación que nos
transporta a la Viena de principios del siglo pasado, y a la impecable riqueza visual de la película. Y primordialmente, los trucos de magia de Eisenheim son de una naturaleza hipnotizante, trucos refinados y sorprendentes que me hacen sentir como una niña otra vez. Una parte de mí quería creer en la magia que veía, mientras que otra se preguntaba el secreto tras el truco de las mariposas.

“Las Partículas Elementales”, de origen alemán, es una de las películas más extrañas que vi durante el Calgary International Film Festival. Esta película, basada en el libro de Michel Houellebecq - que todavía no he tenido la oportunidad de leer -, narra la historia de dos medios hermanos y su inusual relación con el sexo opuesto. Bruno y Michel, abandonados por su madre desde muy pequeños, crecieron en ambientes muy distintos, sin conocerse hasta la adolescencia. Michel es introvertido, incapaz de admitir sus sentimientos hacia su mejor amiga de la infancia, y se encuentra enfrascado por completo en su investigación en biología molecular. Bruno, por otra parte, ha tenido una vida mucho más difícil capaz de hacer levantar las cejas a un psicoanalista, y presenta una interesante colección de perversiones y desequilibrios mentales. Los hermanos se reúnen ocasionalmente en un bar, para mantenerse al tanto de sus vidas, que cambian radicalmente cuando el amor entra a sus vidas.

Así es, “Las Partículas Elementales” es una historia de amor retorcido y perturbador, un poderosa relato de cómo el pasado deja huellas indelebles de las que no podemos librar por más que queramos. Es trágica, bizarra, con momentos sorprendentemente divertidos y tiernos, y momentos francamente grotescos. Es tan rara que resulta difícil describirla con palabras, tan extraña que no queda otro remedio que verla para intentar comprender lo que pasa por la mente de estos inusuales hermanos.

“El Violín“, dirigido por Francisco Vargas Quevedo, ha tenido un excelente recibimiento en diferentes festivales de cine, incluyendo premios por la actuación del personaje central, �?ngel Tavira, en Cannes. En el Calgary International Film Festival tuvo una sorprendente alta concurrencia para una película en blanco y negro, en español y con relativamente poca difusión. Después de una brutal escena inicial, la historia se centra en Don Plutarco, un anciano campesino y violinista ambulante cuyo hijo se encuentra involucrado en la guerrilla. Después de que los militares toman control de la aldea, expulsando a los habitantes de su pueblo, Don Plutarco busca maneras ingeniosas de recuperar las armas que se quedaron atrás.

El personaje de Don Plutarco es fascinante. Por un lado se encuentra su evidente fragilidad, debida a su edad y a carencias físicas que no son explicadas en la película. Su físico delgado, casi esquelético, y su voz quebrada y pausada, la voz de alguien que ya se ha resignado a la vida que le tocó y que espera pacientemente a que termine. La primera escena en que vemos cómo toca el violín, a pesar de faltarle una mano, me parte el corazón. No es ningún virtuoso. Pero el sonido del instrumento es como el llanto de su alma, un alma cansada que ha vivido demasiadas penurias, y que sigue adelante viviendo como puede, tan sólo un poquito más. Pero como bien dicen, más sabe diablo por viejo que por diablo. El juego que emprende con los militares para recuperar las municiones me mantuvo al borde de mi asiento, sorprendida por la audacia del anciano y temiendo lo peor.

La película se encuentra filmada en su totalidad en blanco y negro, y en los diversos festivales se resaltó la calidad de su fotografía. Por mi parte, salí un poco mareada por exceso de movimiento de la cámara durante toda la película. No sé si se trató de un problema durante la proyección de la misma, así que si alguien más llega a verla me gustaría saber si también notan esta inestabilidad de la imagen.

Después de la película, junto con mis amigos, intentamos juntar las piezas del rompecabezas y ubicar dónde ocurre todo esto. ¿Cuántas poblaciones de nombre Tres Cruces existen en México? La conclusión a la que llegamos es que es un lugar como cualquier otro en el sur del país, un lugar como tantos donde las condiciones de vida dejan mucho que desear.

“La cuarta dimensión” es de esa clase de películas tan raras que resulta difícil hablar de ellas sin echar a perder la trama. Por una parte, vemos a un niño que vive con su madre enferma y cuestiona a su maestra de primaria con teorías mucho más avanzadas que lo que cubre el temario. Por otra parte, vemos a ese mismo niño, muchos años más tarde, dedicado a reparar antigüedades en la pequeña tienda en la que trabaja. Su vida entera se ve transtornada cuando recibe instrucciones contradictorias respecto a la reparación de un reloj por parte de un par de misteriosas damas.

La fotografía de la película es casi en su totalidad en blanco y negro, llena de marcados contrastes y contraluces que prestan un aire sombrío a la historia. El color es introducido con tal sutileza que tardé unos instantes en darme cuenta de que estaba presente en los últimos momentos de la película.

Creo que esta fue la película más extraña a la que asistí en todo el Calgary International Film Festival. En el programa estaba descrita como una historia mezclando las teorías de Einstein con la delicada línea entre la cordura y la razón, lo que me hizo suponer que se trataba de algo del mismo estilo que “Pi”. Y aunque las notas con teorías inconclusas de Einstein hacen su aparición, el papel central lo juega la mente del personaje central obsesionada con el tiempo. La abundancia de detalles y símbolos llegaron a confundirme después de un rato, y aunque tenía deseos de saber qué era lo que estaba ocurriendo, llegó un momento en que me desesperó. Afortunadamente, al final todo cobra sentido. Rara como pocas, y algo lenta, así que se requiere de un ánimo muy particular para verla.

Uno de los principales motivos que tuve para asistir al Calgary International Film Festival fue la posibilidad de ver películas de habla hispana en la pantalla grande. “Iluminados por el fuego”, película argentina, narra las experiencias del joven Esteban Leguizamón en la guerra de las Islas Malvinas. Los eventos son recordados por el soldado muchos años después, cuando uno de sus antiguos camaradas, al igual que otros tantos veteranos de guerra, intenta suicidarse.

Por un lado, se trata de una película de guerra, con todos sus horrores incluídos. No glorifica la guerra, y no señala como heroico nada de lo que ocurre en ella. El más inspirado discurso del general en el campo de batalla es recibido con cínica incredulidad por los soldados que desearían estar en casa en lugar de en una tierra de nadie, congelados y bajo metralla.

Aunque es una película llena de desolación y desesperanza, también tiene sus momentos alegres. Una escena en particular relacionada con alimento fresco me arrancó una carcajada. Además, ver que aún existe solidaridad ante circunstancias poco favorables siempre es alentador.

En fin, es una película de guerra bien lograda, como tantas películas bélicas que existen, pero que se centra más en las experiencias de los personajes que en minuciosos detalles históricos o escenas en extremo gráficas.

Durante la pasada semana hubo gran variedad de oferta de cine gracias a la presencia del Calgary International Film Festival 2006. Muchas de estas películas fueron mostradas en otros festivales, como el de Cannes y el de Toronto, algunas otras, fueron estrenos internacionales. Probablemente lleguen a la Cineteca más adelante. Y, ¿quién necesita comer con 200 películas de todas partes del mundo en cartelera? Aunque no pude ver todas las películas a las que deseaba asistir, disfruté de varias interesantes propuestas.

“Linda Linda Linda” es una película japonesa que narra las peripecias de un grupo de chicas que integran una banda de rock para presentarse en un festival escolar. Por desgracia, la guitarrista se ha lesionado, por lo que otra de las chicas deberá tomar ese papel, dejando el de vocalista vacante. Ante la abundancia de opciones, las muchachas deciden invitar al grupo a la primera chica que se aparezca, y resulta ser una estudiante koreana, con limitados conocimientos del idioma. Y entre karaoke, inocentes encuentros amorosos y los desvelos de la secundaria, la música de la banda japonesa Blue Hearts comienza a cobrar vida en el festival. Una música sumamente pegajosa, por cierto. Todavía sigo cantando el muy lindo estribillo.

Una deliciosa comedia, fresca, sin pretensiones y muy divertida. Las niñas no se topan con ningún obstáculo impenetrable que les impida formar su banda, y la única dificultad a la que se enfrentan es la falta de tiempo e integrantes. Aunque pensándolo bien, si estuviera en su lugar, esa es suficiente dificultad. Y el propósito de su presentación no es más que divertirse. No hay disqueras, competencias ni premios involucrados, simplemente un grupo de chicas que quieren hacer algo más con su tiempo, y que a pesar de la aparente irrelevancia de su pasatiempo, se dedican en cuerpo y alma al mismo. Por eso son pasatiempos, ¿no?