El Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) trae al escenario una vez más la excelente producción de El puente de piedras y la piel de las imágenes de Daniel Danis, bajo la dirección de Boris Schoemann.

Teatro para Todos proyecto del IMSS impulsa un teatro para niños inteligente en el que no se menosprecie al público infantil, sino por el contrario, se busca llevar a escena producciones que en todo momento realicen un trabajo profesional y con el rigor que merece toda puesta en escena.

En “El puente de piedras y la piel de imágenes” muchos temas son abordados a lo largo del recorrido iniciático de los dos protagonistas y sus acompañantes (una pequeña humanidad en sí) por distintas tierras, huyendo todos de la guerra, de los explotadores que fuerzan a los niños a trabajar, del exilio impuesto y de la orfandad. Analogías como las de los niños emigrantes a Estados Unidos o niños desplazados de comunidades chiapanecas saltan a la vista en este texto lleno de poesía, humor, emociones y utopía, que se dirige tanto a los niños a partir de los 8 años como a sus padres.

Este espectáculo representó a México en el Congreso Internacional de Teatro para niños y jóvenes en Montreal, Canadá en 2005 (Les coups de théatre), y en el Festival Internacional para público joven de Okinawa, Japón en 2006. (Kijimuna Festa) y el el Festival Internacional Big Break en Moscú, Rusia 2007,

En resumen:

Autoría: Daniel Danis
Dirección: Boris Schoemann
Temporada: Del 19 de julio al 14 de septiembre
Funciones: sábados y domingos 12:30 hrs.
Costo: niños 25, adultos 45
Teatro: Teatro EXola, Eje 4 Sur Xola # 809, esquina Nicolás San Juan, Col. Del Valle
Elenco: Mahalat Sánchez, Georgina Ságar, Alejandro Morales, Mauricio Isaac y Luís Domingo

Comunicado

Fraudestein, el monstruo sigue vivo es un espectáculo poético que combina la ópera, el existencialismo romántico y la cursilería charrita. Aquí Frankestain es la metáfora de la postmodernidad y Fraudenstein es más o menos, pos… moderno. Una aclaración, Fraudestein no habla del 2006, porque el 2006 habla por sí mismo.

Ana Francis Mor cuenta la historia del monstruo y el doctor que se enamoraron perdidamente a partir del nacimiento del monstruo y han mantenido su amor oculto durante siglos, por homofobias razones. Pero el doc es viejo, a punto de morir y el monstruo es inmortal.

Producto de su beca de Intérprete de Cabaret 2007-2008, otorgada por el FONCA, en Fraudestein, el monstruo sigue vivo esta Reina Chula se cuestiona ¿la historia que todos conocemos acerca del doctor y el monstruo, es un fraude? Eso de que se acabó la homobofia en México ¿es un fraude? Aquello de que la Ciudad de México es gay friendly ¿es un fraude? ¿Podrán el monstruo y el doctor firmar su sociedad de convivencia, antes de morir o es un fraude? ¿Estamos hechos de pedazos de muchos fraudes?

Espectáculo de Ana Francis Mor.
Con Adriana Jiménez-Moles y Ana Francis Mor
Música: Hernán del Riego;
Piano: Isaac Bañuelos

Funciones: Sábados de julio a las 22h30 en el Teatro bar El Vicio ubicado en la calle de Madrid 13, Coyoacan.

La compañía de danza de Tatiana Zugazagoitia presentará en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque La mirada de Ulises, espectáculo que integra la danza contemporánea, la música electroacústica.

“La obra es una invitación a navegar por los mares personales de uno mismo”, dice la coreógrafa y bailarina que mediante recursos visuales y sonoros crea un recorrido emocional y escénico lleno de naufragios, tentaciones y dudas.

La mirada de Ulises recibió la beca del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales Fondo Nacional para la Cultura y las Artes el año pasado y fue estrenada con éxito hace un mes en el Teatro José Peón Contreras de la ciudad de Mérida.

“Aquí tratamos de abordar al personaje de Ulises de una manera contemporánea. Cualquiera de nosotros somos el Ulises de nuestra propia Odisea. Tomamos a la obra como inspiración, sin interpretarla”, explica Tatiana Zugazagoitia, que este año cumple 25 años como intérprete.

El rey griego, que tras participar en la guerra de Troya regresa a su casa en la isla de Ítaca, es interpretado en una serie de cinco cuadros que no proponen una narración lineal, sino que ofrecen “imágenes poéticas para que la audiencia para navegar en un viaje emocional.”

Sebastián Castagna, compositor y codirector de la agrupación artística desarrolló una serie de paisajes sonoros electroacústicos para recrear en el auditorio experiencias bellas: la estancia frente al mar, la paz interior o la excitación frente a lo erótico.

“La obra es una metáfora sobre cada uno de nosotros, que somos sobrevivientes de momentos difíciles o estamos a punto de caer en uno. Es posible sobrevivir a cualquier situación adversa, ese sería el mensaje implícito en la obra”, explicó el codirector.

De ese modo, se evocan algunos episodios de La Odisea, como el encuentro de Ulises con las sirenas, su viaje al Hades guiado por Tiresias y el encuentro del protagonista con Eolo, dios de los vientos, interpretado aquí por el flautista Joaquín Melo.

“La obra es también una metáfora sobre cada uno de nosotros, que somos sobrevivientes de momentos difíciles o estamos a punto de caer en uno. Es posible sobrevivir a cualquier situación adversa, ese sería el mensaje implícito en la obra”, explicó el compositor.

Zugazagoitia y el compositor Sebastián Castagna, directores de la agrupación artística, comenzaron a trabajar hace dos años con el proyecto Laboratorio de lo Efímero, que tuvo como meta montar piezas cortas que combinaran el teatro físico, el lenguaje multimedia y el movimiento del cuerpo.

A partir de entonces han apostado por la experimentación a nivel plástico. Sus obras han sido interpretadas incluso en vestíbulos teatrales, museos y espacios no escénicos.

La mirada de Ulises se presentará en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque el viernes 4 de julio a las 20h00, el sábado 5 a las 19h00 y el domingo 6 a las 18h00.

Conaculta

Está planteado a manera de lucha de clases entre Jesucristo y el Superhéroe más famoso de todos los tiempos. Una comedia, a todas luces, sacrílega y políticamente incorrecta.

Toda la obra ocurre en un columpio urbano, de esos que es frecuente encontrar en parques de nuestra paupérrima ciudad o abandonado en algún callejón y en donde pasan el tiempo lo mismo un grupo de niños que una tribu urbana o en donde algunos novios aprovechan del romántico vaivén del juego para declararse su amor.

Esta multiplicidad de sentidos que otorga un simple columpio nos interesa retratarla para comunicar nuestra muy particular inquietud: Nuestra Historia Universal ha sido manipulada por intereses políticos y religiosos. ¿Y qué mejor manera de expresarlo que sobre un juego: el citado columpio en cuestión? A fin de cuentas tanto la Historia Universal como el columpio son sólo juguetes para unos cuantos privilegiados –los que estén en posibilidad de hacer uso de ellos como se les venga en gana y a la hora que se les hinche–. El columpio, entonces, como metáfora del mundo mismo y del juego político en donde nos tocó jugar, y también como reflexión sobre el teatro y la actuación (aceptando la definición anglosajona y francesa del término Actuar como sinónimo del de Jugar).

La estética de la obra contiene el colorido de los comic’s y arte pop, pero también está influenciado por La Pasión de Iztapalapa (decorados realizados por aficionados en materia escénica, pelucas y barbas postizas, sangre evidentemente falsa, etc.). Algunos de los elementos citados nos ayudarán a producir el verfremdungs-effekt o efecto de distanciamiento semejante al propuesto en el teatro épico de Bertolt Brecht, pero extraído ahora dentro de nuestra cultura mexicana y su muy particular imaginería con respecto al mito cristiano.

La obra es una especie de Table Dance Narrativo: hacemos uso de técnicas características de este ejercicio lúdico-sadomasoquista para adultos, para recrear de este modo, una historia evangélica pornográfica y politizada.

Es una epopeya herética que contrasta en apología y magnitud con las epopeyas evangélicas a través del collage escénico: comic, teatro épico, danza, trapecismo, ópera y teatro musical se reúnen para pitorrearnos de todo en lo que creemos en materia de fe y finanzas.

El Evangelio según Clark es una crítica a toda forma de “historia oficial” que sirva para perpetuar en el poder a grupos hegemónicos, tanto del ámbito ideológico, como del económico y religioso. Sanarnos a carcajadas es la única religión que queda. Sólo eso o creer en Superhéroes o Dioses. ¡Pero Dios ya murió, también Superman y hasta Marx!, ¿entonces en quién creer?

El Evangelio según Clark:

Autoría, Espacio Escénico y Dirección: Richard Viqueira
Super: Mauricio E. Galaz
Jesucristo: Marco Aurelio Nava
Clark, Luisa y Magdalena: Carlos Valencia
Lutor y Judas: Richard Viqueira
Funciones: Miércoles 20:30 hrs.
Temporada: A partir de 2 de julio
Teatro Helénico, Av. Revolución 1500
Costo: 150
Duración: 1:15 min.

Comunicado

La Compañía Nacional de Danza, dirigida por Dariusz Blajer, respalda y resguarda el trabajo de artistas mexicanos, uno de ellos es Carmina Burana, que ha sido reconocido y disfrutado por la crítica y el público como uno de los tesoros nacionales, producto del talento y la mente creativa de Nellie Happee, coreógrafa emérita, con 58 años de trayectoria artística, quien creó una de las obras más exitosas desde su estreno en 1983, como parte de un proyecto para el Festival Internacional Cervantino.

Esta pieza cobró otra dimensión en el momento que la maestra Happee hizo alquimia con ella y la llevó al ballet, con el portento de la orquesta y el coro, que magnifican la obra de Carl Orff, lo que la ha hecho merecedora de múltiples reconocimientos y una Luna del Auditorio en la categoría de Danza Moderna en el año 2005.

Nellie Happee ve el potencial de los bailarines y lo utiliza para enriquecer su poder interpretativo, cada vez que este ballet se presenta, uno descubre cosas nuevas en los personajes, en los cuadros y desde luego en la música. Ese es el gran talento de la personalidad apasionada de la coreógrafa.

El coro no solo se escucha, también forma parte de la escena e interactúa con los bailarines, bajo la dirección escénica de José Solé.

La función da inicio con otra obra de Carl Orff, Triunfo de Afrodita, con coreografía de Mark Godden, estrenada en el 2007, que al igual que Carmina Burana tiene gran fuerza y poder, con una coreografía dinámica, sensual y muy contemporánea. La orquesta y el coro para esta pieza están prácticamente en la sala muy próximos al público y la vibración que generan está a flor de piel.
Participan la Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes bajo la batuta del director concertador Sylvain Gasançon, quien ganó el Concurso Internacional de Dirección “Eduardo Mata” (México, 2005) y el Segundo lugar del Concurso Internacional “Jorma Panula” (Finlandia, 2006), con una amplia trayectoria en diversas orquestas del mundo y de México.

Triunfo de Afrodita. Cantantes solistas: Guadalupe Jiménez, Óscar de la Torre, Arturo López, Belinda González, Envía Mendoza; bailarines solistas: Agustina Galizzi, Raúl Fernández, Harold Quintero.

Carmina Burana. Cantantes solistas: Lourdes Ambriz, Héctor Sosa, Jorge Lagunes; bailarines solistas: Agustina Galizzi, Jacqueline López, Ma. del Mar Mazzaferro, Raúl Fernández, Erick Rodríguez, Hansell Nadchar. Primer bailarín invitado del Royal Winnipeg Ballet: Jaime Vargas.

Las próximas funciones serán los días martes 24 y jueves 26 a las 20h00 y domingo 29 de junio a las 17h00.

Localidades de $ 150.00 a $ 700.00

Conaculta

La Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes ofrecerá durante el mes de julio una programación enfocada a mostrar el trabajo de diversos grupos de danza contemporánea independientes, atender al público infantil para introducirlo al arte del movimiento y marcar el desarrollo que ha alcanzado este género en países como Argentina, en un abanico de propuestas rico y variado que se podrá disfrutar en diversos espacios del Centro Cultural del Bosque.

En el Teatro de la Danza estarán presentes: Tatiana Zugazagoitia con el estreno de la obra La mirada de Ulises, un proyecto multidisciplinario en el que las voces cantantes son la música y la danza, apoyadas por el video. Se trata de una narrativa no lineal y serie de imágenes poéticas que sugieren al espectador sus propias lecturas. Las funciones se llevarán a cabo los días 4, a las 20:00 horas; 5, a las 19h00 y 6, a las 18h00.

Tango es el titulo del estreno que ofrecerá la Compañía Fuera de Centro, que dirige Alberto de León, los lunes 7, 14, 21 y 28, a las 20h00. El espectáculo ofrece la posibilidad de explorar los mundos del tango y la milonga en una propuesta teatral que integra también danza contemporánea, fisicalidad y la magia del cabaret.

Por otra parte, la Compañía de Antonio Salinas presentará por primera vez la obra 04455. Disección de corazones, donde los lenguajes de la danza, teatro, canto, música y la improvisación se mezclan para crear un lenguaje fresco, contundente y contemporáneo que aborda el significado de ser un hombre o una mujer a inicios del siglo XXI. Las funciones se efectuarán los martes 8, 15, 22 y 29, a las 20h00.

Con una suma extraordinaria de imágenes y composición escénica que devela a través de la danza el diálogo secreto del impulso creador, Tandem Compañía de danza llevará a escena el espectáculo Miguel Ángel. Explosión de un autorretrato, los días 25, a las 20h00; 26, a las 19h00; y 27 a las 18h00. La obra se desarrolla “en comunión con La Pasión según San Mateo de J. S. Bach, binomio fundamental para apoderarse del espacio a través de cuerpos sonoros, metáforas de luz, al acecho del creador renacentista”, refiere la agrupación.

Y en el marco de El movimiento de los niños, el grupo Aksenti Danza Contemporánea, dirigido por Duane Cochran, ha preparado el espectáculo Mamá la oca, basado en los famosos cuentos infantiles de La bella durmiente del bosque, La bella y la bestia, Pulgarcito y La feúcha, Emperatriz de las Pagodas, en una invitación a incentivar la imaginación y vivir instantes estéticos sublimes. Las presentaciones serán los sábados 5, 12, 19 y 26, y domingos 6, 13, 20 y 27, a las 13h00.

Asimismo, el Teatro Julio Castillo abrirá sus puertas a la presentación de la compañía de Argentina Duggandanza. Para la ocasión esta agrupación ofrecerá la obra A todo vapor, concebida con escenas entrelazadas por el recorrido de un pequeño tren, que desplazándose por paisajes inventados, propone un viaje poblado de humos y poesía. Estará los días 5 y 6, a las 12h00.

Mientras que en el Teatro Orientación se presentarán, los días 31, a las 20:00 horas, y en agosto, el 1, a las 20h00; 2,a las 19h00; y 3, a las 18h00, Las simples cosas, un espectáculo a cargo de La Cebra, compañía cuya propuesta va más allá de lo establecido para promover la danza gay. Y el 10 y 11, a las 20h00, el Grupo Representativo de la Escuela Nacional de Danza Folklórica, con el programa Luz y tradición mexicana que integra los cuadros Negritos, Huasteca, Veracruz, Nayarit y Danza Azteca.

El Ballet Teatro del Espacio, dirigido por Gladiola Orozco y Michel Descombey, ofrecerá su Temporada de verano 2008 integrado por el estreno La última sílfide en busca de una beca, y piezas que forman parte de su repertorio artístico y que le han valido el reconocimiento del público y la critica especializada, entre ellas, Che, y Conquistas. Las presentaciones serán en el Teatro Espacio Cultural de la agrupación, Hamburgo No. 218, colonia Juárez, los días 4 y 11, a las 20h00; 5 y 12, a las 19h00; y 6 y 13 a las 18h00.

Conaculta

Rafael Rosales “Rafa” como todos le llamamos en el medio de danza, es uno de los grandes intérpretes creativos de la danza mexicana en los últimos 20 años. Ha trabajado con casi todos los coreógrafos de México además de tener una brillante carrera internacional. Gracias a la desfachatez” para pararse en el foro, estuvo junto a Raúl Flores Canelo como primer bailarín durante toda su estancia en Ballet Independiente.

La sala Carlos Chávez del CCU esta llena de estrellas masculinas de la danza, Rafael era uno de los más esperados. En su pieza para solo “Caricias”, construye un rito atemporal en el cual, la energía corporal viaja nos transporta al pasado estando en el presente. Rompe esquemas en cuanto a lenguaje dancístico y composición coreográfica se refiere. La academia, no es una regla en el caso de las piezas de Rafael Rosales, en este aso, presentó una creación tan acertada en lenguaje, libre en su comunicación con el espectador, clara en su desarrollo dejándonos reflexionando acerca del tiempo. La madurez artística de la propuesta, hizo aun mas profunda nuestra experiencia como espectador. En conclusión esta obra es contundente y llena de belleza espiritual.

El creador acudió a recursos que pueden ser peligrosamente rebuscados, tales como: la catarsis expresada en un grito o la poderosa mirada hacia el espectador, una risa. En este caso, Rafael los hizo parte pero no apoyo a su interpretación física. Los trazos de la obra son claros, el uso del Ballet o de Contemporáneo es irrelevante en esta puesta. De tal forma que el lenguaje generado por el autor en “Caricias” nos remite a culturas antiguas con sus ritos sagrados. De este lenguaje, lo más simple como levantar un dedo, se transforma en acciones llenas de significado y armonía. Esto da como resultado imágenes titánicas del intérprete en escena. Cabe mencionar el uso del rostro o “Mascara Teatral” en esta pieza; normalmente los bailarines no usamos la mascara para bailar. Rafael Rosales acude a la gestualidad del rostro siendo tan virtuoso como con el del cuerpo. Existe una conexión orgánica entre ambas partes.

Un vestuario blanco que indica honestidad al estar en el escenario, con una música original de corte ceremonial; apoya esta obra que propone libertad espiritual generando una fuerza vital que no tiene límites, rebasando el escenario dejando en el espectador muchas sensaciones acerca de la vida. La vida en el instante mismo de que se esta conciente de ella “el aquí y el ahora”.

Con una magistral iluminación de Manuel Hiram, “Rafa” transforma un simple espacio en un lugar lleno de significado, un lugar real en este mundo donde el dolor y la alegría convergen, para mostrar un ser humano sin preguntas, un ente dispuesto a vivir plenamente a pesar de todo.

“Caricias” fue un solo como siempre, perfectamente ejecutado, fresco, redondo, fuerte, lleno de movimientos aéreos, pero con los pies en la tierra, para verse nuevamente continuando la reflexión. Trasciende a la danza misma en su conceptualización más simple. Lo sitúa en el escenario en un contexto donde muchas veces no existe una clasificación artística, pero si una clara e importante comunicación del performer con el espectador. En ese momento dejan de pesar las historias contadas, importan las sensaciones olvidadas en nuestra energía interior hace mucho tiempo, cuando aun no nacíamos.

Benito antes de Juárez, que interpreta el actor Esteban Castellanos, es una ficción histórica sobre el Benemérito y no de una biografía, aclara el actor y codirector egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.

El texto fue escrito por el joven dramaturgo Edgar Chías a solicitud expresa de Castellanos, quien estaba interesado en tocar el tema del racismo de color y de clase, y al mismo tiempo reencontrase con su pasado oaxaqueño.

Benito antes de Juárez revela a un joven abogado acorralado por el miedo y abrumado por un pasado doloroso, marcado por su condición indígena. Se trata de una contradicción a la histórica efigie esculpida en bronce y multiplicada en óleos.

En esta obra, Juárez aparece expuesto, habla de la justicia social, tan importante en su discurso, pero al mismo tiempo se manifiesta como un personaje contradictorio, educado en un régimen racista pero víctima de esas ideas.

Benito antes de Juárez ofrecerá su temporada de funciones en el Foro de las Artes del Centro Nacional de las Artes a partir del 13 de junio y hasta el 20 de julio.

Las funciones son los jueves y viernes a las 20h00, sábados a las 19h00 y domingos a las 18h00.

Conaculta

La Roña, personaje de cabaret que supone ser el fantasma cinematográfico de María Félix, La Doña, retoma el clásico poema de Ramón López Velarde, “Suave Patria”, para hacer un recorrido histórico, político y social de nuestro país y sus raíces. Cada verso y cada frase del poema de López Velarde, es interpretado, revisado y contextualizado en la época en la que se escribió y en la actual, aportando además una postura visionaria que libere al mexicano de su inercia y de su trágica mansedumbre.

La Roña, un personaje que se atribuye a sí mismo autoridad y conocimiento de leyenda, siendo así que expone, remarca, analiza y denuncia él, como nuestro pueblo ha permitido ser engañado y expoliado por líderes y gobernantes propios y extraños. Todo a través de lo que López Velarde escribió sobre su patria soñada y hermosa.

El tono del espectáculo es humorístico y crudo a la vez. Mezcla canciones, discurso e interacción con el público.

Es una sesión de cabaret reflexivo, casi didáctico y desde luego de valor literario muy divertido.

Es interpretado por el autor Darío T. Pié y lo acompaña al teclado Nahum Carmona. Tiene como apoyo temático una proyección en Power Point del poema original, producido y diseñado por Ricardo Román.
Fue estrenado por primera vez en Contempo Teatro, en la Ciudad de México, el 7 de septiembre del 2007.

La obra se presenta los jueves a las 20h30 en el Teatro helénco hasta el 26 de Junio de 2008. Boletos en taquilla.

Con información del Centro Cultural Helénico

Este domingo 1° de Junio se estrena la obra Alicia en el teatro la Capilla. La dramaturgia y dirección serán de Luis Santillán.

Alicia es un montaje que parte de la obra literaria de Lewis Carroll, pero perturba el universo planteado por el autor británico para exponer un grave problema social. Alicia cae en un mundo que debería estar lleno de maravillas, sin embargo, las maravillas están trastocadas por la perversión, por la violencia y por el abuso sexual.

La cita es este domingo 1° de Junio a las 13h00 en el teatro La Capilla que se encuentra uicado en la calle de Madrid 13 en Coyoacan. Costo:$100 y $50 con credencial.

El próximo 15 de Mayo en el Teatro Helénico se estrenará la puesta en escena de la multipremiada obra 12 Hombres en pugna (Twelve Angry Men) de Reginald Rose, con la participación de un elenco que conjunta muchos años de experiencia sobre el escenario, encabezados por el primer actor Ignacio López Tarso y compartiendo créditos con Aarón Hernán, Juan Ferrara, Roberto Blandón, José Elías Moreno, Patricio Castillo, Salvador Pineda, David Ostrosky, Miguel Pizarro, Marco Uriel, Miguel Rodarte y Rodrigo Murray, todos bajo la dirección de José Solé.

12 Hombres en pugna (Twelve Angry Men), escrita por Reginald Rose, es la obra no musical más taquillera en la historia de Broadway: nominada en el 2005 a tres premios Tony, incluyendo mejor obra y mejor guión adaptado. En sus dos versiones fílmicas ha logrado obtener tres premios de la Academia, cuatro nominaciones a los Globos de Oro y fue ganadora del Oso de Oro en el Festival de Berlín.

La historia se desarrolla en la ciudad de Nueva York, a principios de los años 50’, donde doce miembros de un jurado tienen la difícil tarea de deliberar sobre la inocencia o culpabilidad de un joven de 16 años acusado de asesinar a su violento padre. El fallo del jurado deberá ser unánime. Si es declarado culpable, será ejecutado en la silla eléctrica, las pruebas y los testimonios parecen irrefutables en su contra. Todos los jurados creen que es culpable, excepto uno ¿Podrá un solo hombre cambiar el rumbo de este juicio?

Las funciones serán los viernes a las 19h00 y 21h30, sábados 18h00 y 20h30 y domingos a las 17h30 y 20h00. A partir del 16 de mayo en el Teatro del Centro Cultural Helénico,ubicado en avenida Revolución 1500, colonia Guadalupe Inn.

Las localidades tienen un precio de 400 pesos.

Con información del Centro Cultural Helénico

Con motivo del 100 aniversario del natalicio de este gran compositor estadounidense, el Cuarteto de cuerdas Fundamental, grupo residente del Centro Cultural Ollin Yoliztli presentará el performance con música de Anderson. El Cuarteto de Cuerdas y tres adolescentes presentarán de manera amena y divertida datos sobresalientes de la vida y obra de este gran compositor cuya música espontánea y ligera cautivará al público infantil y sus acompañantes.

Considerado a por él mismo como un pre-eminente compositor de música de concierto de luz, Anderson compuso piezas como Blue Tango, La Máquina de Escribir, Serenata, de la Belle Ball, Buglers de Vacaciones y Olvidado los Sueños, además de ser el autor de la famosísima obra Ricitos de Oro, su único musical.

La música de Leroy Anderson está firmemente arraigada en la cultura popular americana y la disfrutan millones de personas en todo el mundo. Su música sigue siendo ampliamente registrada e interpretada por una amplia gama de músicos. Entre ellos se encuentran virtuosos de casi todos los instrumentos como los integrantes de las orquestas sinfónicas, bandas de marcha, conjuntos de jazz, los estudiantes de música de todas las edades y los cantantes de muchos estilos.

El Cuarteto Fundamental, está integrado por Arturo González (violín 1°), Guadalupe López, (violín 2°), Erika Ramírez (viola) y Mónica del Águila (violoncello), para Crines y Pellizcos se contará con la participación especial de Mafer González, en el papel de narradora de emergencia, Tabata González, adolescente molesta y Sabrina González, bailarina. El guión es de Mercedes Gómez Benet, y la dirección de escena está a cargo de Alejandro Juárez.

La cita es esta noche en la Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli a las 17h00. Entrada libre (cupo limitado).

Comunicado

Desde hace unos años, la joven dramaturgia mexicana puso en la mira y el escenario los temas relevantes de las sociedades de fin de siglo. El parking place del deseo, obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven “Gerardo Mancebo del Castillo” en su edición 2006, aborda el tema del terrorismo. Escrita y dirigida por Guillermo León, la historia tiene como guías una historia de amor y una pregunta: ¿Qué pasaría si un terrorista encontrara al amor de su vida minutos antes de perpetrar un atentado?

A decir del actor Ianis Guerrero, quien interpreta a un inmigrante musulmán en el montaje, el asunto del terrorismo, que parece alejado de la realidad mexicana, no lo está tanto. Al texto subyace un asunto real que puede ser entendido por todos: la posibilidad de ser agredido y la respuesta que existirá a esa agresión.

Sophie Alexander Katz, la contraparte femenina en esta historia de amor finisecular, externa, por su parte, una inquietud personal por descubrir textos de dramaturgos contemporáneos mexicanos como éste. En su opinión, El parking place del deseo es una de esas obras cargadas de poesía y, simultáneamente, de la acidez propia de los tiempos actuales.

En la trama, Alí, un pretendido terrorista, debe tomar un vuelo y dirigirse a cumplir su misión. En la espera de su conexión debe permanecer un día entero en su ciudad natal, a la cual no ha visitado en varios años. Se reencuentra ahí a quien fue su amante en otro tiempo, pero que ahora lo ha olvidado. Tras el encuentro, sobreviene una catástrofe en la ciudad.

El autor y director de la obra asegura que no está interesado en hacer un análisis sociológico del terrorismo, ni tomar postura moral al respecto, sino en explorar el inconsciente colectivo de una generación que se ha acostumbrado a esperar el fin de siglo cada verano.

En palabras de Guillermo León, “el desencanto ante la anulación de la catástrofe no se plantea como una morbosa actitud destructiva, sino como el vacío en un mundo sin héroes donde todo el carisma ha sido rutinizado”.

La llegada a escena de El parking place del deseo, una de las cuatro obras incluidas en el tomo Teatro de La Gruta VII, editado por el Fondo Editorial Tierra Adentro, es uno de los estímulos que forma parte del Premio Gerardo Mancebo del Castillo, que cuenta además con un monto de 50 mil pesos para el ganador.

Antonio Crestani, director del Centro Cultural Helénico, donde la obra comenzará su temporada el 12 de mayo, adelantó que la séptima edición del premio incrementará el monto de su premio con la finalidad de que pueda estar al nivel de otros premios nacionales de dramaturgia.

El parking place del deseo es una producción de la compañía Teatro del Viento, misma que ha tenido ya dos residencias de creación en Francia y la presentación de cuatro de sus trabajos en espacios como L’Espace 44 de Lyon y el Teatro Gerard Phillipe de Saint-Jean de Maurienne. La obra permanecerá en temporada del 12 de mayo al 21 de julio en el Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, todos los lunes a las 20:30 horas.

En el marco del Ciclo de Teatro Germánico Contemporáneo, esta noche se presenta “Salvajes” del autor Händ Kalus, bajo la dirección de Luis Rodríguez.

Se trata de una lectura dramatizada de la obra: “Salvajes (Hombres de los ojos tristes)” que nos presenta la historia de un médico traumatizado que experimenta un último amor y la historia de su propia desaparición.

Este ciclo comprende 2 puestas en escena, 6 lecturas dramatizadas y 3 talleres de dramaturgia, con la participación de actores y directores mexicanos, así como de dramaturgos y directores germano-parlantes.

La función de hoy, martes 22 de abril es a las 20h00 en el teatro El Granero del Centro Cultural del Bosque.

Con información del INBA

Los Prohombres es una historia acerca de dos hombres: Frankie y Sepo se conocen vía Internet, cuando Frankie escribe una solicitud inquietante y poco ortodoxa a la que Sepo accede curioso. La historia está basada en un caso ocurrido en Alemania en el 2001. Pero no es un documental del suceso; de parte del autor es un motivo para descubrir razones por las cuales dos hombres son capaces de llegar a hechos tan violentos con una escritura sutil. Seguramente el espectador sentirá alguna conexión entre estos dos personajes y las relaciones propias, entre las imposibilidades y falta de comunicación que a veces tiene en sus propios encuentros.

De parte de la dirección el tratamiento de la obra es un thriller donde se rescata el humor negro del texto y la ternura de un encuentro poco común. La puesta en escena parte de la relación de los dos personajes y sus contrastes, y se extiende hasta el universo del hogar, donde usted conocerá la casa a través del sonido, el cual infundirá ciertas atmósferas psicológicas.

Se le llama prohombre a aquél o aquella que ha hecho un bien por su comunidad, y de forma irónica el título de la obra ha sido ése. Estos dos hombres son sólo prohombres de ellos mismos y, quizá, de ninguno de los dos.

Los Prohombres es una obra de Noé Morales Muñoz bajo la dirección de Ginés Cruz y con las actuaciones de Humberto Busto y Enrique Cueva.

Las funciones serán los Miércoles y Jueves a las 20h00 en el Foro Shakespeare ubicado en la calle de Zamora No.7, Colonia Condesa de la Ciudad de México.

La temporada inicia el 30 de Abril hasta el 23 de julio de 2008. El costo sera de $120.